Resumen El objetivo del presente artículo es la verificación de la existencia y el análisis del prejuicio en la campaña del periódico A Gazeta de São Paulo contra el movimiento modernista entre 1921 y 1922. Los textos fueron encontrados gracias a una investigación con palabras clave en la Hemeroteca Digital de la Biblioteca Nacional de Brasil. Peyorativamente, se determinó que A Gazeta produjo distintos tipos de textos periodísticos y divulgó contenido capacitista, homofóbico, misógino y racista. Además, los términos musicales se relacionaron despectivamente con la cultura negra, indígena y popular. Durante la campaña, varios artistas fueron mencionados, incluyendo el modernista Mário de Andrade, quien fue ampliamente criticado y perjuriado. Por lo tanto, se concluyó que el autor de este informe realizó análisis de textos con prejuicio explícito y registró consideraciones sobre el carácter y algunos efectos del prejuicio. El análisis de la 'reacción antifuturista' revela la temprana recepción de Andrade y del movimiento modernista, el uso del prejuicio en el debate artístico y la construcción social del prejuicio.

Resumo O objetivo do presente artigo é a verificação da existência e a análise do preconceito na campanha do jornal A Gazeta de São Paulo contra o movimento modernista entre 1921 e 1922. Os textos foram encontrados por meio de pesquisa com palavras-chave na Hemeroteca Digital da Biblioteca Nacional do Brasil. A Gazeta produziu distintos tipos de textos jornalísticos e veiculou capacitismo, homofobia, misoginia e racismo. O jornal empregou pejorativamente termos musicais vinculados à cultura negra, indígena e popular. Durante a campanha vários artistas foram mencionados, mas entre os autores que os jornalistas criticaram e injuriaram destaca-se o modernista Mário de Andrade. O autor deste informe fez análise de textos com preconceito explícito e registrou considerações sobre o caráter e alguns efeitos do preconceito. A análise da 'reação antifuturista' revela a incipiente recepção de Andrade e do movimento modernista, o uso do preconceito no debate artístico, e a construção social do preconceito.

Abstract The purpose of this article is to verify the existence and analyze the prejudiced content of the newspaper A Gazeta de São Paulo's campaign against the modernist movement between 1921 and 1922. The texts were found by searching with keywords in the Digital Newspaper Library of the National Library of Brazil. It was determined that A Gazeta produced different types of journalistic texts that conveyed ableism, homophobia, misogyny, and racism. In addition, musical terms were derogatorily linked to black, indigenous, and popular culture. During the campaign, several artists were mentioned, including modernist Mário de Andrade, who was criticized and reviled. Therefore, it was established that the author analyzed texts with explicit prejudice and recorded considerations about the character and effects of prejudice. The analysis of the 'anti-futurist reaction' reveals the incipient reception of Andrade and the modernist movement, the use of prejudice in the artistic debate, and the social construction of prejudice.

Abstract This paper discusses how Brazilian and Angolan national-popular songs were related in a space of cultural circulation on a transnational scale. For this goal, it takes as its object a tour of Brazilian musicians to Angola, in 1980, called Kalunga Project. It proposes an analytical path which apprehends the musical event as a heuristic object while it aims to investigate how the two national musical formations were confronted in their nationalization and internationalization strategies. It is an attempt to compare two musical realities, prioritizing an examination of the development of the Angolan national and popular music in the post-independence period, based on field study in Angola as well as an analysis of documentary and bibliographic sources.

Resumo Este artigo discute como as músicas nacionais-populares do Brasil e de Angola se relacionaram num espaço à escala transnacional de circulação da cultura. Para isto, toma como objeto uma digressão de músicos brasileiros em Angola, em 1980, denominada Projeto Kalunga. Propõe um percurso analítico que apreende o evento enquanto objeto heurístico, isto é, para investigar como se confrontaram as duas formações musicais nacionais nas suas estratégias de nacionalização e de internacionalização. Trata-se de um esforço comparativo entre as duas realidades, priorizando o exame das construções da música nacional e popular angolana no pós-independência, a partir de investigações de campo em Angola, levantamentos de fontes documentais e bibliográficas.

ABSTRACT In this article, the authors addressed the insufficient academic treatment offered to the participation of women from Pinar del Río in musical pedagogy. Therefore, it proposes a study on the participation of women from Pinar del Río in musical pedagogy during the first half of the 20th century, from a socio-historical, cultural and gender perspective. Various theoretical methods were used such as dialectical, historical-logical, ethnographic, as well as analysis and synthesis. Within the empirical methods, they apply the interview and the documentary analysis, in addition to the publicist sources of the investigated historical period, together with the oral sources. As a result, it shows the contribution of women from Pinar del Río to the teaching of music with solid contributions to didactics, from their work in the academies, in a context characterized by a rigid social organization, in which professionalism was seriously damaged by erroneous approaches. Of gender, by rejecting free female public expression, minimizing their training capacities and the knowledge they transmitted. Also damaged by the effects of Pinar del Río's function of economic, political and social subordination, as a historical region to the nearby capital of Havana. Therefore, to make visible the contributions made by Pinar del Río women in this sense, to contribute to dignifying their image in the field of artistic culture, education and pedagogy from Pinar del Río and Cuba, as well as to strengthen the identity and the local intangible cultural heritage and nationals.

RESUMEN En el presente artículo se aborda el insuficiente tratamiento académico ofrecido a la participación de la mujer pinareña en la pedagogía musical. Por lo que proponen un estudio sobre la participación de la mujer pinareña en la pedagogía musical durante la primera mitad del siglo XX, desde una perspectiva socio-histórica, cultural y de género. Fueron empleados diversos métodos teóricos como el dialéctico, el histórico-lógico, el etnográfico, así como el análisis y síntesis. Dentro de los métodos empíricos aplican la entrevista y el análisis documental, además de las fuentes publicistas del período histórico investigado, de conjunto con las fuentes orales. Como resultado muestran la contribución de la mujer pinareña a la enseñanza de la música con sólidos aportes a la didáctica, desde su quehacer en las academias, en un contexto caracterizado por una rígida organización social, en la que el profesionalismo estuvo seriamente dañado por erróneos enfoques de género, al rechazar la libre expresión pública femenina, minimizar sus capacidades formativas y el conocimiento que transmitían. Dañados también, por los efectos de la función de subordinación económica, política y social de Pinar del Río, como región histórica a la cercana capital habanera. Por lo que visibilizar los aportes realizados por las féminas pinareñas en este sentido, contribuye a dignificar su imagen en el campo de la cultura artística, la educación y la pedagogía pinareña y cubana, así como a fortalecer la identidad y el patrimonio cultural inmaterial local y nacional.

RESUMO Este artigo aborda o insuficiente tratamento acadêmico oferecido à participação das mulheres de Pinar del Río na pedagogia musical. Portanto, propõem um estudo sobre a participação das mulheres de Pinar del Río na pedagogia musical durante a primeira metade do século XX, a partir de uma perspectiva sócio-histórica, cultural e de gênero. Foram utilizados diversos métodos teóricos como dialético, histórico-lógico, etnográfico, bem como análise e síntese. Dentro dos métodos empíricos são aplicadas entrevistas e análises documentais, além de fontes publicitárias do período histórico investigado, juntamente com fontes orais. Como resultado, mostram a contribuição das mulheres de Pinar del Río para o ensino da música com sólidas contribuições à didática, a partir de seu trabalho nas academias, em um contexto caracterizado por uma organização social rígida, em que o profissionalismo foi seriamente prejudicado por abordagens errôneas .de género, ao rejeitar a livre expressão pública feminina, minimizando as suas capacidades formativas e os conhecimentos que transmitem. Também prejudicada, pelos efeitos da função de subordinação económica, política e social de Pinar del Río, como região histórica à vizinha capital Havana. Portanto, tornar visíveis as contribuições das mulheres de Pinar del Río neste sentido, contribui para dignificar a sua imagem no campo da cultura artística, da educação e da pedagogia de Pinar del Río e de Cuba, bem como como fortalecer a identidade local e nacional e o património cultural imaterial.

  This study aims to understand the conceptualization of the feminine in the musical genres of funk and samba from the city of Rio in the perspective of Conceptual Metaphor Theory (CMT) (LAKOFF; JOHNSON, 2002 [1980]). The study was based on the analysis of two hundred (200) songs from both musical genres in Rio de Janeiro, divided equally - one hundred songs for each genre. The songs mentioned, in the context of funk, were released to the public between 2017 and 2021, by the artists Anitta, Dennis DJ, Lexa, Ludmilla, and Pocah, all born in the state capital of Rio de Janeiro. On the samba side, 100 songs were also collected, this time released between 2018 and 2022, written by Dudu Nobre, Mart'nália, Mumuzinho, Dilsinho and Martinho da Vila. A qualitative-quantitative methodological approach was used to analyze the lexicon, with interpretative aspects and the use of AntConc software to check the frequency of specific terms. In terms of the data related to funk carioca, the lexicon related to female body parts was relevant, especially “butt”, which had an average of 13.56 occurrences. On the other hand, samba carioca showed marked differences from funk songs in terms of gender representation, the presence of body parts and the use of conceptual metaphors. A significant frequency of occurrences of the word "heart" was observed in the context of the samba. In addition, the recurrence of elements of nature, such as water, sun, day and flowers, was identified, as licensed by conceptual metaphors structuring meanings relating to love themes and descriptions of female individuals. In short, this study demonstrates the metaphorical and metonymic divergences of both Rio musical genres, and the implication of such occurrences with the Rio social context and its reading of the WOMAN category.  

No presente artigo, apresentamos estudo que buscou compreender a conceptualização do feminino nos gêneros musicais do funk e do samba cariocas à luz da Teoria da Metáfora Conceptual (LAKOFF; JOHNSON, 2002 [1980]).  Para tanto, com base em metodologia de caráter qualiquantitativo, analisou-se, incialmente, o léxico relativo ao feminino em 100 canções pertencente ao funk carioca, produzidas por Anitta, Dennis DJ, Lexa, Ludmilla e Pocah no período de 2017 a 2021. Em seguida, para confirmação da prevalência da metonímia conceptual MULHER É BUNDA encontrada nas 100 canções pertencentes ao funk carioca, investigou-se o mencionado léxico em 100 canções do samba carioca, produzidas por Dudu Nobre, Mart'nália, Mumuzinho, Dilsinho e Martinho da Vila, no período de 2018 a 2022.Os dados indicaram a relevância da metonímia PARTE E TODO na conceptualização de feminino em ambas as canções, tendo em vista que: o item lexical ‘bunda’ obteve média de 13,56 ocorrências contra uma média de 1,95 – mão e cara - nas 100 canções pertencentes ao funk carioca; ‘boca’ e ‘coração’ obtiveram 56 e 54 ocorrências respectivamente contra 12 ocorrências de ‘mão’, 06 de ‘pé’, 04 de ‘peito’ e ‘rosto’, 03 de ‘braço’ e 02 de ‘cabelo’ e ‘língua’ nas 100 canções pertencentes ao samba carioca. Além disso, foi observada a relevância das metáforas conceptuais MULHER É ÁGUA, MULHER É DIA, MULHER É SOL e MULHER É FLOR nas cem canções pertencentes ao samba carioca. Concluiu-se que o conjunto de valores e crenças - hegemônico ou não - é relevante para estruturação do conceito de feminino no âmbito da sociedade carioca, já que foi possível observar, de um lado, a influência da nova moralidade advinda do culto ao corpo idealizado (GOLDENBERG, 2002) na emergência da metonímia conceptual MULHER É BUNDA encontrada nas 100 canções analisadas do funk carioca; e, de outro lado, a influência de valores da cultura afro-brasileira motivando as metáforas conceptuais MULHER É ÁGUA, MULHER É DIA, MULHER É SOL e MULHER É FLOR.

Abstract The relevance of this study is determined by the urgent importance of the issues of training musicians in the context of qualitative nurturing of their abilities for music interpretation in accordance with the author's main ideas. The purpose of this study lies in the analysis of the main features of the problem of interpretation of musical works by different composers, in terms of the development of the performing skills of musicians, as a major constituent of qualitative perception of a musical piece. The main methodological approach explored in this paper combines a systematic analysis of the performance practice of musical works with a consideration of the development of musicians' performance skills, taking into account their individual characteristics and level of skill. The study also analyzes the process of developing performance skills in musicians studying in modern educational institutions, such as music schools, and secondary and higher music schools. The results of this study indicate the high importance of qualitative interpretation of musical works by performers for the perception of listeners, as well as the low level of research on this range of issues, which necessitates further research in this area. The results and conclusions of this study are important both for teachers of music schools who train future musicians and for musicians themselves. The main idea is that in the process of performing musical works, it is important to convey the author's intention or design, which is expressed in the musical nuances of the work. The authors of the study show that understanding this intention and the ability to reproduce it with performance techniques are important for musicians. The study indicates that musicians should constantly improve their skills and abilities to reproduce the meaning of musical works in order to give them a deeper expression. author s ideas composers piece skill institutions listeners area themselves design work expression

Resumo A relevância deste estudo é determinada pela importância urgente das questões da formação dos músicos no contexto do desenvolvimento qualitativo das suas capacidades de interpretação musical, de acordo com as ideias principais do autor. O objetivo deste estudo consiste na análise das principais características do problema da interpretação de obras musicais de diferentes compositores, em termos do desenvolvimento das competências performativas dos músicos, como um dos principais constituintes da perceção qualitativa de uma obra musical. A principal abordagem metodológica a considerar no âmbito da investigação combina uma abordagem sistemática ao estudo das características da interpretação de diferentes obras da cultura musical, em função das suas características individuais e do nível de competências de execução, com o estudo analítico do desenvolvimento das competências de execução dos intérpretes individuais, no contexto da sua formação em instituições educativas modernas do ensino básico, secundário e superior de música. Os resultados deste estudo indicam a elevada importância da interpretação qualitativa de obras musicais por parte dos intérpretes para a perceção dos ouvintes, bem como o baixo nível de investigação sobre esta gama de questões, o que torna necessária mais investigação nesta área. Os resultados e conclusões deste estudo são essenciais para os professores das instituições de ensino que formam os futuros músicos, bem como para os próprios músicos, que pela natureza das suas actividades profissionais se deparam com a necessidade urgente de refletir nas obras musicais que executam a intenção do autor expressa na paleta entoacional da obra musical e de aperfeiçoar a sua performance para expandir a sua capacidade de refletir os significados de uma obra musical. compositores básico música ouvintes área

Resumen Los Chichos fueron uno de los grupos musicales más populares durante la Transición y la década de los ochenta. La cultura popular asocia esta formación con canciones sobre la cárcel y la drogadicción; no obstante, hemos comprobado en la discografía analizada (1973-1989) que la temática más habitual está protagonizada por la mala mujer. En este artículo el objetivo es estudiar la personalidad de la mala mujer: cómo es, qué actos desarrolla y sus consecuencias. La metodología empleada es el análisis de contenido mixto, con técnicas cuantitativas y cualitativas. Hemos analizado 43 canciones donde aparece la figura de la mala mujer. La conclusión más importante es que la mala mujer engaña y abandona a su pareja, y esto supone un grave atentado a la ley gitana, en la que la familia es el pilar social más importante. Otra de las conclusiones relevantes es que la conducta de la mala mujer la lleva a la perdición, jamás podrá ser feliz en el futuro. La consecuencia más extrema es la violencia de género, el asesinato de la mujer que traiciona.

Abstract Los Chichos were one of the most popular musical bands during the Spanish Transición in the 80's. Pop culture usually links the band with jail and drug thematics, but from we can tell in the analyzed discography (1973-1989), the femme fatale figure is actually their main focus. In this article, we will revisit this archetype; what it is, what sort of events come out from it and their consequences. The methodology used it's that of the mixed content analysis with quantitative and cualitative techniques. We have analyzed 43 songs where the figure of the femme fatale appears. The main take away from this essay is that the bad woman lies and abandones her partner, in dire conflict with the Gipsy Law where family is the most important pillar. Another one is that the bad woman behaviour will ultimately lead her to her own demise, to never be happy in the future. The most extreme result of this statements is violence and murder against that traiturous woman.

Resumen En La actualidad de lo bello, Gadamer hace una referencia reveladora a la improvisación musical y a la importancia de la escucha musical, además de poner en primer plano la necesidad de justificación del arte. Situando este debate a través de Goethe y Platón, junto con las Lecciones de Estética de Adorno de finales de la década de 1950 y una discusión sobre Nietzsche y la Antigüedad, es posible establecer que lo que está en juego es la afinación, así como una tensión que invita a un debate ulterior tanto sobre la detención del amante en Carson como el demorarse en Heidegger. Al revisar la hermenéutica gadameriana de la programación y la interpretación musical, incluida la improvisación y el desafío de la nueva música, las reflexiones de Gadamer sobre la cultura musical en el contexto de la cultura social y su reflexión no solo pueden ser leídas a través de Platón y Goethe, sino también a partir de las concepciones de “lo bello” en Hölderlin y Rilke. Se trata de una “conversación” cultural en la que la contribución del público puede estar en tensión con la programación musical progresiva, además de la dinámica de respuesta que surge en la energeia de la improvisación tanto para el intérprete como para el oyente.

Abstract Gadamer’s On the Relevance of the Beautiful makes telling reference to musical improvisation and the importance of musical listening in addition to foregrounding the need for justification. Situating this discussion via Goethe and Plato along with Adorno’s late 1950s lectures on Aesthetics together with a discussion of Nietzsche and antiquity, what is at stake is attunement and a tension which invites a discussion of Carson on the lover’s arrest and Heidegger on tarrying. By reviewing Gadamer’s hermeneutic of musical programming and performance, including improvisation and the challenge of new music, Gadamer may be read on music culture in the context of social culture and his reflection not only via Plato and Goethe but Hölderlin and Rilke on ‘the beautiful.’ At work is a cultural ‘conversation’ where audience input can be in tension with progressive musical programing along with the dynamic of response emergent in the energeia of improvisation for performer and listener.

Resumen El objetivo del presente trabajo es analizar el aporte de los/las músicos/músicas locales en el diseño, negociación e implementación de las políticas culturales que la Dirección General de Cultura, Artes y Espectáculos (DGCAyE), de la Municipalidad de Avellaneda, diseñó para contribuir a la igualdad en el acceso, la participación y la producción cultural. De esta manera, mediante la exploración de la articulación entre la DGCAyE y los/las músicos/músicas locales que participaron en instancias municipales de debate, se espera contribuir al estudio de los cruces entre cultura y diseño. Considero a las políticas culturales como un campo de negociación y disputa en donde intervienen agentes no sólo estatales, de este modo, pienso a los/las músicos/músicas como actores que asumen un papel central en el diseño social. Focalizaré en el Primer Foro de Cultura y en la Mesa de Gestión y Coordinación de Actividades Musicales de Avellaneda -la cual buscó promover el trabajo participativo, organizativo y colectivo de los/las músicos/músicas locales- y en las políticas culturales dirigidas a la actividad musical local que de allí surgieron. Para ello, entre junio de 2017 y junio de 2018 realicé trabajo de campo en la localidad de Avellaneda y analicé fuentes primarias y secundarias.

Abstract The objective of this work is to analyze the contribution of local musicians / musicians in the design, negotiation and implementation of cultural policies that the General Directorate of Culture, Arts and Entertainment (DGCAyE), of the Municipality of Avellaneda, designed to contribute to equality in access, participation and cultural production. In this way, by exploring the articulation between the DGCAyE and the local musicians / musicians who participated in municipal instances of debate, it is hoped to contribute to the study of the crossings between culture and design. Cultural policies are considered as a field of negotiation and dispute in which not only state agents intervene, in this way, I think of musicians / musicians as actors that assume a central role in social design. Focus will be placed on the First Forum of Culture and on the Management and Coordination Table of Musical Activities of Avellaneda -which sought to promote the participatory, organizational and collective work of local musicians / music- and on cultural policies aimed at local musical activity that emerged there. To do this, between June 2017 and June 2018 I did field work in the town of Avellaneda and analyzed primary and secondary sources.

Resumo O objetivo deste trabalho é analisar a contribuição de músicos / músicos locais no desenho, negociação e implementação de políticas culturais que a Direção Geral de Cultura, Artes e Entretenimento (DGCAyE), do município de Avellaneda, destinou a contribuir para a igualdade no acesso, participação e produção cultural. Assim, ao explorar a articulação entre a DGCAyE e os músicos / músicos locais que participaram de instâncias municipais de debate, espera-se contribuir para o estudo dos cruzamentos entre cultura e design. As políticas culturais são consideradas como um campo de negociação e disputa em que não apenas agentes estatais intervêm, assim, penso nos músicos / músicos como atores que assumem um papel central no design social. O foco será colocado no Primeiro Fórum da Cultura e na Tabela de Gerenciamento e Coordenação de Atividades Musicais de Avellaneda -que procurou promover o trabalho participativo, organizacional e coletivo de músicos / música locais- e em políticas culturais voltadas para atividade musical local que surgiu lá. Para fazer isso, entre junho de 2017 e junho de 2018, fiz um trabalho de campo na cidade de Avellaneda e analisei fontes primárias e secundárias.

Resumen Este artículo1 tiene como principal objetivo analizar a los músicos del Conservatorio como “destinatarios titulares” de la “alta cultura”, los cuales configuraron un “campo” artístico con elementos de pertenencia y propiedades específicas dentro de un complejo contexto histórico permeado por el porfiriato y la irrupción de la Revolución mexicana. El Conservatorio de Música se convirtió en una instancia de legitimación, y su orquesta sinfónica en el medio a través del cual se difundieron obras musicales nacionales e internacionales; todo esto dentro de un espacio social con prácticas culturales en donde se educaba no sólo a sus ejecutantes, sino también al público, en un interesante proceso de acercar la alta cultura a las nuevas clases burguesas y, posteriormente, a las clases populares, donde además, ciertos espacios de sociabilidad incentivaron la vida musical. Desde la perspectiva de la historia cultural se estrecha un lazo entre las disciplinas de la historia y la sociología como recurso metodológico, para lograr sostener una mirada diacrónica y crítica en un tema que comienza a ser estudiado con mayor ímpetu en nuestro país.

Resumo O objetivo principal deste artigo é analisar os músicos do Conservatório como “destinatários titulares” da “alta cultura”, que configuraram um “campo” artístico com elementos de pertencimento e propriedades específicas dentro de um contexto histórico complexo permeado pelo Porfiriato e pela irrupção da Revolução Mexicana. O Conservatório de Música tornou-se uma instância de legitimação, e a sua orquestra sinfónica o meio através do qual foram divulgadas obras musicais nacionais e internacionais; Tudo isso dentro de um espaço social com práticas culturais onde não só seus intérpretes eram educados, mas também o público, em um interessante processo de trazer a alta cultura para as novas classes burguesas e, posteriormente, para as classes populares, onde, além disso, certos espaços de sociabilidade incentivavam a vida musical. Na perspectiva da história cultural, fortalece-se um vínculo entre as disciplinas de história e sociologia como recurso metodológico, a fim de sustentar um olhar diacrônico e crítico sobre um tema que começa a ser estudado com maior impulso em nosso país.

Abstract The main purpose of this article is to analyze the musicians of the Conservatory as “titular recipients” of “high culture”, who configured an artistic “field” with elements of identity and specific properties within a complex historical context permeated by Porfirio Díaz’ long-lasting presidency and the irruption of the Mexican Revolution. The Music Conservatory became an instance of legitimization, and its symphonic orchestra became the vehicle for the dissemination of national and international musical works; all this within a social space with cultural practices that educated not only its performers, but also the audience, in an interesting process of bringing high culture closer to the new urban middle classes and, later, to the popular classes, where, in addition, some spaces of social interaction encouraged musical life. From the perspective of cultural history, a link between the disciplines of history and sociology is created as a methodological resource, in order to sustain a diachronic and critical approach to a subject that is being studied with greater emphasis in our country.

ABSTRACT Since mid-19th-century, a wide range of musical prints has existed in Latin America, musical scores being the most well-known. Their dominance gave way to other printed forms as 1900 approached, as a proof of the broadening and diversification of audiences, as well as the presence of a sharper music edition scene throughout the subcontinent: loose sheets, albums, magazines, songbooks, and flyers. Our interest lies in knowing the editorial strategies that allowed shortening the seemingly i0...........nsurmountable distance between string literature and "fine literature", between the street and the bookshop. We will analyse music prints for wide audiences, crafted by less well-known printing offices and typographic studios in Chile, Argentina, and Mexico. Names such as Juan Bautista Peralta, Andrés Pérez and Antonio Vanegas Arroyo are usually absent from the traditional history of books, and only in recent years have they become interesting for academic research. We will particularly explore songbooks of their making, envisioned as very profitable series or collections with print runs of thousands of copies.

RESUMEN Desde mediados del siglo XIX puede encontrarse una variedad de impresos musicales en América Latina, de los cuales los más conocidos son las partituras. Su predominio cedió lugar a otras modalidades impresas al acercarse el 1900, que dan cuenta de la ampliación y diversificación de los públicos, así como de un panorama editor más intenso a lo largo de todo el subcontinente: hojas sueltas, álbumes, revistas, cancioneros y folletos. Nuestro interés radica en conocer las estrategias editoriales que permitieron salvar la distancia, aparentemente infranqueable, entre la literatura de cordel y las 'bellas letras! entre la calle y la librería. Con ese objetivo, analizaremos impresos musicales de vocación masiva, elaborados por imprentas y talleres tipográficos menos reputados de Chile, Argentina y México. Los nombres de Juan Bautista Peralta, Andrés Pérez y Antonio Vanegas Arroyo, respectivamente, no suelen aparecer en las historias del libro tradicionales y sólo en los últimos años han despertado el interés de la investigación académica. Nos detendremos, especialmente, en los cancioneros editados por ellos, concebidos por sus productores como series o colecciones muy redituables, impresas en tiradas de miles de ejemplares.

Resumen: Desde los albores del periodo Preclásico Tardío la figura arquetípica del anciano empezó a ornar una multitud de artefactos manufacturados por artistas y artesanos mayas. Este artículo se propone dar a conocer y examinar una flauta-efigie de procedencia desconocida cuyo resonador poliglobular ha sido adornado con la cara del numen chimuelo. Tradicionalmente referido como Dios N, Dios D o Itzamnaaj/ Itzam Kokaaj en función del contexto y de su esfera de control, este personaje teopolimorfo ha sido objeto de numerosas investigaciones pormenorizadas. El hecho de que su rostro arrugado haya sido aplicado al cuerpo de aerófonos de prestigio parece sugerir que se consideraba que existía un nexo particular entre la divinidad, el ámbito sonoro, la práctica instrumental y la actividad ritual. Registrado con el número de inventario 1981.033 y fechado del periodo Clásico Tardío, el instrumento de viento forma actualmente parte de las colecciones del Muziek Instrumentenmuseum (mim) de Bruselas, Bélgica. A la fecha, la pieza no ha sido tema de investigaciones previas. Asimismo, conviene hacer hincapié en que constituye un ejemplar único de mediación sonora con lo suprasensible dado que combina un conjunto de elementos iconográficos significativos con una configuración organológica específica. Por consiguiente, el análisis de la flauta contribuye a mejorar nuestra comprensión de la figura del anciano hacedor.

Abstract: Since the dawn of the Late Preclassic Period, the archetypical figure of the Old Man started to adorn a variety of artifacts manufactured by Maya artists and artisans. This article aims to present and examine an unprovenanced effigy-flute whose poly-globular resonator has been adorned with the visage of the toothless nonhuman being. Traditionally referred as God N, God D, or Itzamnaaj/Itzam Kokaaj, depending on the context and his sphere of control, this theopolymorphic figure has been the subject of numerous extensive investigations. The fact that his wrinkled face has also been applied to the body of prestige woodwind artifacts suggests a possible symbolic link between the divinity, the sonorous field, the instrumental practice, and ritual performances. However, the topic has received little scholarly attention. Dated from the Late Classic period and registered under inventory number 1981.033, this aerophone is currently part of the Musée des Instruments de Music’s permanent collection (mim) held in Brussels, Belgium. Furthermore, this sounding artifact shall be considered as a unique example of sonorous mediation with the supersensible given the fact that it combines significant iconographic features with a specific organological configuration. Therefore, the analysis of the flute contributes to better comprehend the figure of the elderly Maker.

Abstract: Due to various historical and realistic reasons, the development of basic music theory in China lags behind in the teaching system, teaching content and other aspects. It is an important task for Chinese music workers to revise or supplement the current basic music theory and related textbooks and then build a discipline system of basic music theory in China. This paper synthesizes the theories of music education and music history, music culture, music morphology and other related disciplines. It uses scientific, objective and rational values and holistic and comprehensive concepts. It takes the development of the basic music theory education of China as the research object and takes history as a mirror to further consider and prospect the construction of the basic music theory discipline system of China. The basic theory of Chinese Music can be roughly divided into three stages: (1) The basic music theory from the early 20th century to the founding of the People’s Republic of China; (2) From the founding of the People’s Republic of China to the period of reform and opening up; (3) Basic music theory compiled and published since the reform and opening up. It can be seen, from the development of the basic theory education of Chinese Music and its teaching materials, that the development of western music theory in China, before the founding of the People’s Republic of China, was a process from passive acceptance to active absorption. The scope of spreading western music theory was from the palace to the church, then to the school, and, finally, to the society, which made the music theory teaching in China gradually develop into a major and minor system as the leading mode. The basic theory of Chinese Music gradually deviated from its own track. With the deepening of music research after the founding of the People’s Republic of China, the discipline development of basic music theory has witnessed a prosperous situation, and the construction of basic music theory is moving towards the direction of diversification and deepening. Many musicologists and music educators have made contributions to the construction of basic music theory in China from different disciplines and research perspectives. Based on the principle of “combining history with the theory” and combing the development of basic music theory in China, the ideal model of Chinese music theory discipline construction is conceived to promote the integration between traditional music theory and modern music theory from a diachronic perspective What is relevant to strengthen the unity of the nation and the world in basic music theory from a synchronic perspective, and to pay attention to the connotation of technology and culture in music theory teaching. But also to strengthen the scientific and logical concept in music theory textbooks.

Resumen: Debido a varias razones históricas y realistas, el desarrollo de la teoríeorlsica de la mlsica en China se queda atrátrra cuanto al sistema de enseñanza, el contenido de la enseñanza y otros aspectos. Es una tarea importante para los trabajadores chinos de la misica revisar o complementar la teoríeorteorntar sica actual y los libros de texto relacionados, y luego construir un sistema de disciplina de la teoríeorla teordesica en China. Este artículo sintetiza las teoríeorreorr educacióducacirr las tehistoria de la m sica, la cultura musical, la morfologíorfolog, la otras disciplinas relacionadas, utiliza valores científicos, objetivos y racionales y conceptos holísticos y comprensivos, toma el desarrollo de la educacióducaciedteoríeoracieducacsica de China como objeto de investigaciónvesttoma la historia como espejo para seguir considerando y prospectar la construccióonstrusistema de disciplina de la teoríeorla teordesica de China. Los fundamentos de la mtsica china pueden dividirse, a grandes rasgos, en tres periodos: (1) desde principios del siglo XX hasta la fundacióundacita la blica Popular China; (2) desde ese momento hasta el periodo de reforma y apertura; y (3) desde el periodo de reforma y apertura hasta la actualidad. La teoríeor teord. La teord. evolucionóvoluciond. La teord. Lfundacióundaciond. Lblica Popular China a travéravulun proceso de aceptaciócepasiva y absorcióbsactiva, como puede observarse en el desarrollo de la enseñanza de la teoríeorla teorde la ene lasica china y sus materiales didrcticos. La teoríeor teora teordidiales dpropagórprincipalmente desde el palacio a la iglesia, luego a las escuelas y finalmente a la sociedad. Como resultado, la enseñanza de la teoría musical china evolucionóvprogresivamente hacia un sistema menor mayor como modo dominante, y los fundamentos de la mtsica china se desviaron gradualmente. Tras el establecimiento de la Repiblica Popular China, la investigaciónvestigaciina, lprofundizado, lo que ha beneficiado el crecimiento de la disciplina de la teoríeorla teorbásica, que ahora se dirige hacia la diversificacióiversifprofundidad. El desarrollo de la teoríeorla teorde la teor teor de la tecontado con la ayuda de varios music musicusieducadores musicales de diversos campos académicos y puntos de vista de la investigaciónvestimodelo ideal de la construccióonstruccdisciplina de la teoríeorla teorde la teoconcibe sobre la base del principio de “combinar la historia con la teoríeor la tpeinar el desarrollo de la teoríeorla teordesica en China. Este modelo fomenta la integracióntegraciteoríeorgracirasica tradicional y la teoríeora teorlsica moderna desde una perspectiva diacrónica, refuerza la unidad del padel pal pmundo en la teoríeorla teorsica bcsica desde una perspectiva sincrónica, y presta atenciótenciiaconnotacióonnotacitecnología en su conjunto.

RESUMO Objetivo: evidenciar vestígios de memória e identidade nas narrativas e produções musicais do compositor baiano, Arnaldo Almeida, que transparecem contribuições no processo de mediação cultural. Método: Esta pesquisa se caracteriza como descritiva, tendo como método o estudo de caso, sendo investigados documentos produzidos pelo músico e compositor Arnaldo Almeida, bem como sua narrativa, por meio da técnica de entrevista, a possibilidade de verificar as relações identitárias e memorialísticas na ação mediadora. Resultado: Entre os resultados, identificou-se que Arnaldo Almeida possui, além da prática, percepções sobre a música, e sua representatividade, que lhe confere uma possibilidade de realizar uma mediação cultural consciente. Também é possível relacionar e compreender que a produção artística de Arnaldo Almeida possui entrelace da memória e da identidade que se expressa por meio da música, que resultam em ações de mediação cultural. Conclusões: Conclui-se que, através da evocação de vestígios memorialísticos e identitários, considera-se a música um dispositivo informacional representativo da cultura que, de maneira integral, favorece o processo de constituição identitária dos sujeitos e preservação dos traços de memória. Objetivo baiano Método descritiva caso narrativa entrevista mediadora Resultado resultados identificouse identificou prática representatividade consciente Conclusões Concluise Conclui identitários considerase considera integral

ABSTRACT Objective: to evidence traces of memory and identity in the narratives and musical productions of the bahian composer, Arnaldo Almeida, which show contributions in the process of cultural mediation. Methods: As for the methodology, this research is characterized as descriptive, whose method adopted was the case study, being investigated documents produced by musician and composer Arnaldo Almeida, as well as its narrative, through the interview technique, the possibility of verifying the identity and memorialistic relations in the mediating action. Results: Among the results, it was identified that Arnaldo Almeida has, in addition to the practice, perceptions about music, and its representativeness, which gives it a possibility to perform a conscious cultural mediation. It is also possible to relate and understand that Arnaldo Almeida's artistic production has an interlace of memory and identity expressed through music, which result in cultural mediation actions. Conclusions: It is concluded that, through the evocation of memorialistic and identity remains, music is considered a representative device of culture that, in an integral way, favors the process of identity constitution of the subjects and preservation of memory traces. Objective Methods methodology descriptive study narrative technique action Results results practice representativeness Almeidas s actions Conclusions remains way

Abstract In Nietzsche’s musical aesthetics, Wagner’s name dominates, progressively rivalled by Bizet’s. Palestrina is certainly much more discreet but no less significant, from Human, All Too human to The Case of Wagner. This article shows the role played by this Renaissance composer, whose work is marked by religiosity, on Nietzsche’s musical aesthetics. At first antithetical to opera culture, which Nietzsche criticizes in The Birth of Tragedy, he also embodies artistic perfection, especially of the medieval choral tradition. Finally, Palestrina represents for Nietzsche an alternative to the Schopenhauerian aesthetic and the triumphant Wagnerism of the 1880s.

Resumo Na estética musical de Nietzsche, o nome de Wagner domina largamente, gradualmente competindo com Bizet. Palestrina é certamente muito mais discreto mas não menos significativo, de Humano, demasiado humano a O caso Wagner. Este artigo mostra o papel desempenhado pelo compositor da Renascença, cuja obra é repleta de religiosidade, na estética musical de Nietzsche. Inicialmente antitético à cultura da ópera, que Nietzsche critica em O Nascimento da Tragédia, também incorpora a perfeição artística, notadamente da tradição coral medieval. Por fim, Palestrina representa para Nietzsche uma alternativa à estética schopenhaueriana e ao wagnerismo triunfante da década de 1880.

Abstract This article aims to collect evidence about the constitution of associative means of club-belonging, with the conformation of collective identities of supporting around Rio de Janeiro professional soccer throughout the 1930s to the 1960s. To that end, we mobilized journalistic sources capable of informing a conjunction of agents, spaces, and happenings that structured the history, the memory, and the sociogenesis of supporters’ groups in the municipality of Rio de Janeiro in the middle of the 20th century. We affirm that the day-to-day news of the sports chronicle, once systematized, even if reunited and exposed in a non-exhaustive manner, makes possible reconstituting aspects of the construction of said subfield, nucleated around the soccer professionalism and the sports facilities of the then capital of the Republic. Managers of entities and clubs, journalists, chronicle writers, and head of supporters’ groups are constituting parts of the social meanings and the cultural significances associated to the musical performance in the stadiums of this unexpected form of association, born on the conveyor belt of the structuration of an urban mass culture, focused on leisure and entertainment in the metropolises by a routine sports calendar. Thus, this article demonstrates, in a diachronic way, the process of public recognition of determined actors, from popular classes, and specific groups of fanatic supporters, legitimized by the media of the time, in conformity with the affirmation and expansion of soccer in the day-to-day of the city.

Resumo O artigo objetiva reunir evidências sobre a constituição de formas associativas de pertencimento clubístico com a conformação de identidades coletivas de torcer ao redor do futebol profissional do Rio de Janeiro no decurso dos anos 1930 a 1960. Para tanto, mobilizam-se fontes jornalísticas capazes de informar um conjunto de agentes, espaços e acontecimentos que estruturaram a história, a memória e a sociogênese de agrupamentos torcedores na cidade do Rio em meados do século XX. Sustenta-se que o cotidiano de notícias da crônica esportiva, uma vez sistematizadas, ainda que coligidas e expostas de maneira não exaustiva, permite reconstituir aspectos da construção de tal subcampo, nucleado, por sua vez, em torno do profissionalismo futebolístico e dos equipamentos esportivos da então capital da República. Dirigentes de entidades e de clubes, jornalistas, cronistas e chefes de torcidas são partícipes construtores dos sentidos sociais e dos significados culturais associados à performance musical nos estádios dessa forma inusitada de associativismo, surgida na esteira da estruturação de uma cultura de massas urbana, voltada ao lazer e ao entretenimento nas metrópoles, por meio de um calendário desportivo rotinizado. Destarte, o artigo demonstra, em chave diacrônica, o processo de reconhecimento público de determinados atores, egressos das classes populares, e de específicos grupos de torcedores aficionados, legitimados pelos meios de comunicação da época, em conformidade com a afirmação e expansão do futebol no dia a dia da cidade.